jueves, 14 de mayo de 2015

FRANCISCO DE GOYA

FRANCISCO DE GOYA

Retrato del pintor Francisco de Goya (1826), por Vicente López


Análisis Bibliográfico: Francisco de Goya y Lucientes nació en el año 1746 en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, en el seno de una familia de mediana posición social. Su padre era un artesano de cierto prestigio, maestro dorador. Las relaciones laborales de su padre sin duda contribuyeron a su formación artística.
Cuando tenía poco más de diez años ya comenzaron sus estudios primarios probablemente en los Escolapios de Zaragoza. En 1759 ingresa a la Academia de Dibujo de Zaragoza, dirigida por José Luzán, una edad (trece años) algo tardía, ahí permanecería copiando estampas hasta 1763. De esta época se conoce nada de la obra de goya ya que se perdieron.
Goya es un pintor cuyo aprendizaje progresa y su obra de madurez se revela tarde, incluso antes de su viaje a Italia en 1770, Vueve a Zaragoza en 1771, su arte es balbuciente y tan poco académico que no obtiene ningún tipo de respaldo ni éxito alguno, incluso fracaso estrepitoso en los dos concursos convocados por la Academia de San Fernando.

Muere el 16 de abril de 1828 en Burdeos, Francia.

ANÁLISIS

Es el  inicio la pintura contemporánea    y se considera el precursor de la vanguardia del siglo XX. Tiene 4 periodos artístico que son:

Primer periodo:Es un periodo de alegría por la vida, es un pintor de éxito, trabaja en la real fábrica de tapices y gana fama como retratista
Segundo periodo: en esta época queda sordo y esto le hace apartarse poco a poco del mundo, por eso y por el destierro de sus amigos ilustrados al creer al no creer en la monarquía que iba a penetrar España , la abolición del antiguo régimen, como habían hecho los revolucionarios en Francia lo que marca un antes y un después de la pintura de Goya y adoptara dos orientaciones antagónicas. Primero las amaneradas y plácidas pinturas de encargo y segundo las pinturas en las que refleja las lacras sociales, como su propia personalidad atormentada.
Tercer Periodo: Los horrores de la guerra de la independencia española lo atormentaron, en sus cuadros y grabados dibujaba la brutalidad y criticaba la guerra sin razón. Plasma en sus pinturas las acciones más heroicas de la insurrección de España contra el tirano de Europa.
Cuarto periodo: Cansado de la vida y decepcionado de la sociedad, sus pinturas reflejan el pesimismo propio de un alma atormentada. Compra una finca a orillas del manzanares y allí, de noche, a la luz de las velas pinta un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos..., donde está presente el odio que intenta depurar a los afrancesados


OBRAS DESTACADAS 

"La Maja Desnuda" (1790-1800)   






      "La Familia de Carlos IV" 1800


 "Cómicos ambulantes" 1793 



miércoles, 13 de mayo de 2015

REMBRANDT ANÁLISIS

REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN

Autorretrato, óleo de 1659

ANÁLISIS BIBLIOGRÁFICO
 Nació el 15 de julio de 1606 en la cuidad de Leiden. Fue el noveno hijo del matrimonio formado por Harmen Gerritszoon van Rijin y Neelthgen Willemsdochter van Zuytbrouck. Su padre fue molinero y su madre hija de un panadero profesiones entonces muy lucrativas.
Recibió su educación básica en latín 
En 1621 abandona la universidad e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un pintor llamado Jacob van Swanenburgh, con quien estudia por 3 años. Tras un breve pero intenso aprendizaje de 6 meses con el célebre Pieter Lastman en Ámsterdam.
En 1625 abre su propio taller en Leiden, junto con su amigo y colega Jan Lievens. En 1627 empieza a dar clases de pintura y en 1629 es descubierto por el estadista Constantijin Huygens quien le facilita encargos de la corte. A finales de 1631 se muda a Ámsterdam y en 1634 contrajo matrimonio con su prima Saskia. Murió un año después del fallecimiento de su hijo, el 4 de octubre de 1669.


Rembrandt periodos:


Leiden ( 1625-1631):  En este periodo se puede hablar de una mayor influencia de Lastman y es probable también un cierto influjo de Lievens. En esta etapa las pinturas son bastante pequeñas pero con muchos detalles especialmente en vestidura y joyería. Los temas preferidos son religiosas y alegóricas al igual que los tronies, posteriormente se evidencia su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos.
Primer Período en Ámsterdam (1632-1636).- Comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático, fuertemente contrastadas y en grandes formatos.
Segundo Período en Ámsterdam (1636-1650).- produjo apenas unas pocas pinturas y grabados con tema paisajismo las cuales solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza, reflejada en arboles desarraigados y nubes ominosa, más tarde fue eliminando las rasgos más pintorescos y su estilo se volvió mas sombrío y comedido. A lo largo de la siguiente década sus pinturas adoptaron diversidad de técnicas, estilos y tamaños. Se dio paso a la iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. Se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes.
Período Tardío (1650-1669).- el estilo volvió a trasformarse, regresan los grandes formatos, los colores se vuelven más intensos y las pinceladas más pronunciadas, en ocasiones se destacaba por su tosquedad de su pincelada. En sus últimos años sus pinturas de temas bíblicos tendieron a una mayor personalización de las figuras y sus emociones individuales. Comenzó una serie de autorretratos impregnados de reflexión y hasta el año de su muerte realizaría 15 versiones de este tema, así como numerosas y emotivas imágenes de hombre y mujeres enamorados, vivos y ante Dios.


 OBRAS MAS DESTACADAS


SANSÓN Y DALILA 


Sansón y Dalila
Autor: Rembrandt
Fecha: 1629-30
Museo: Gemäldegalerie (Berlin)
Características: 61 x 50 cm.
Estilo: Barroco Centro europeo
Material: Oleo sobre tabla


Sansón le abrió su corazón para contarle el secreto de su fuerza y fue apresado por sus enemigos. El momento recogido por el maestro nos muestra a Dalila con su marido dormido en su regazo, llamando a los filisteos para que cortasen la cabellera, su estimado secreto Un filisteo sale de las cortinas con unas tijeras en la mano mientras un soldado espera el desenlace. Dalila gira su cabeza para mirar al hombre que rapará a Sansón, creando un atractivo escorzo.Las luces empleadas por Rembrandt refuerzan la tensión del momento al iluminar parcialmente al israelita, impactando el foco sobre su espalda. El contraste entre luces y sombras creado está inspirado en Caravaggio, al igual que el naturalismo de los personajes.


 BETSABÉ EN SU BAÑO

Betsabé en el baño



Autor: Cornelisz van Haarlem
Fecha:
Museo: Rijksmuseum
Características:
Estilo: Manierismo

Material: Oleo sobre lienzo

Interpretará sus rasgos estilísticos de manera original, diferenciándose de su maestro en el fundido de colores y en el suave empaste utilizado. También se interesará por el arte renacentista italiano -no en balde, fundó en Haarlem, junto a Karel van Mander y Hendrick Goltzius, una academia de claro contenido italianizante- y por la pintura de Rubens. Estas influencias se ponen de manifiesto en el lienzo que contemplamos, una de las mejores "excusas" para presentar un desnudo




LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DR. NICOLAES TULP (1632)


La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp. Rembrandt
Fue pintada en plena juventud, a los 26 años. Constituye su obra maestra, es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt. Fue un encargo del gremio de cirujanos, entre los que Tulp, un famoso médico de Ámsterdam, era un destacado representante.
En Lección de anatomía Rembrandt se interesa por los contrastes lumínicos, con una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja otras en penumbra.




LA RONDA DE NOCHE (1642)

Es una de sus obras más famosas. Representa la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez.

Ronda nocturna, de Rembrandt


La escena se desarrolla al aire libre, pero no de noche como indica su título, sino que la obra se ha oscurecido con el paso del tiempo. Prueba de ello es que no se la conoció como La Ronda de Noche hasta el siglo XIX. Antes era denominada La Milicia del capitán Frans Cocq Noche hasta el siglo XIX. Antes era denominada La Milicia del capitán Frans Cocq
Está pintada con gran realismo, captando los rostros y las actitudes de todos los personajes y transmitiendo sensación de movimiento. Los juegos de luz y sombra recuerdan la influencia de Caravaggio





CRISTO EN LA TORMENTA



Año: 1633
Descripción: Óleo sobre tela. 160 × 128 cm

Ubicación: desconocido

El interesante de esta obra. Ver el contraste entre el brillo del agua en la parte izquierda del cuadro y la oscuridad total en la parte inferior hacen pensar en salvación y perdición, en confianza y desconfianza; en términos generales, manifiesta lo que relata los Evangelios. El rostro y los movimientos de cada uno de los tripulantes (discípulos) muestra su impresión por el suceso: unos se aferran aterrorizados a la vela; otros se agachan temerosos, cogiendo la cabeza y observando lo que sucede y los demás suplican a Cristo por su intercesión


RESUMEN DEL LIBRO DE EDUARDO GALEANO "LAS VENAS ABIERTAS DE AMÉRICA LATINA "

LAS VENAS ABIERTAS DE AMÉRICA LATINA POR EDUARDO GALEANO


RESUMEN DEL LIBRO LEÍDO
Empieza con la  división internacional, donde algunos países ganan  y otros pierden. América Latina perdía desde hace mucho tiempo, las materias primas y alimentos con destino a los países desarrollados  ganan más consumiéndolos que lo que América Latina gana produciéndolos, debido esto también a los impuestos. A mediados del siglo anterior el nivel de vida de los países desarrollado, excedía el 50% a comparación de los  países subdesarrollados  Se dio una gran desigualdad y abusos proxenetas contra América Latina, básicamente se extiende la pobreza y se concentra la riqueza en los países desarrollados. EEUU era una de las ciudades más grandes y ricas del mundo. A mediados del siglo XVIII, la plata abarcaba más del 99% de las exportaciones minerales de América Hispana.
América era un mercado europeo ya que estaba en manos de España, Holanda, Francia, ingleses y alemanes.Carlos V permitió a un grupo de flamencos sacar oro y joyas de España en mula o caballo, por la ayuda les otorgó títulos burocráticos y hasta licencia para llevar esclavos negros a la América. A mediados del siglo XVI se autorizó la importación de tejidos extranjeros en un país pobre.

Varios hechos dieron inicio a la era de la producción capitalista como fueron: el descubrimiento de los yacimientos de oro y plata en América, caza de esclavos negros, saqueo de los indios orientales y sepulta miento en las minas de la población aborigen. El valor de oro y plata supera el valor del capital invertido en las industrias europeas.
Junto a Potosí cayo Sucre, disfruto buena parte de la riqueza que emanaba el cerro. En Septiembre de 1957 en Paraguay mediante una circular se comunicó que “los indios son tan seres humanos como los otros habitantes de la República”.
En el apogeo del imperio Inca, cuya extensión era desde Ecuador hasta Argentina, llegaron los españoles donde las minas exigían grandes desplazamientos de población, los indios eran sometidos a la servidumbre de los encomenderos. Durante el siglo XVIII, la producción de oro en Brasil superó el de  España. El ciclo de oro absorbió demasiada mano de obra. La edad de oro en Minas Gerais convirtió a Río de Janeiro en el eje económico y político del país.
El azúcar u oro blanco fue cultivado en climas húmedo-caliente, su largo ciclo también impulso el desarrollo industrial en Holanda, Francia, Inglaterra y Estados Unidos.El azúcar permitió el dominio de Cuba por los Estados Unidos. Brasil fue el mayor productor de azúcar . Las tierras fueron cedidas a los primeros terratenientes de Brasil. De aquellos tiempos coloniales nace la costumbre de comer tierra por falta de hierro. El estado de San Pablo contiene el centro industrial más poderoso de América Latina.
Se impulsó el desarrollo de las artesanías, cañones y disponía del primer Astillero de América Latina.
Cuba se convirtió en productora de materia prima consumía de los Estados Unidos: arroz, frijoles, ajos, cebollas, grasas, carne y algodón. Solo un tercio de la población tenia trabajo estable y la mitad de las tierras se volvieron improductivas. Los ingenios Norteamericanos poseían la mayor parte del área azucarera.En 1961 hubo una campaña que movilizo a jóvenes voluntarios para enseñar a leer y escribir a la población cubana, actualmente poseen el menor número de analfabetos.El azúcar del trópico Latinoamericano aporto a la acumulación de capitales para el desarrollo industrial de Inglaterra, Francia, Holanda y Estados Unidos, en cambio, el comercio entre América, África y Europa propició el tráfico de esclavos a las plantaciones de azúcar.En 1522, estallo la primera sublevación de esclavos en América. La esclavitud en Brasil se abolió en 1888, pero no el latifundio. Los campesinos venían de Praiba y Rio Grande, su mano de obra barata era reservada para las obras públicas.
La mayor parte de la producción de caucho provenía del territorio del Acre, así Brasil conquistó las reservas mundiales de goma. Años después invadieron el mercado mundial con el caucho malayo.
Los grandes consumidores de cacao fueron Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Holanda y Francia quienes estimularon la competencia entre la producción de Brasil y Ecuador cuya economía dependía de las ventas de banano, café y cacao.
Más de la quinta parte del algodón que la industria textil consume proviene de América Latina, para la industria Europea este producto se convirtió en el más importante a finales del siglo XVIII. La crisis de la economía minera proporciono mano de obra para la producción del algodón. La producción de algodón en los Estados Unidos dejó a Brasil fuera de competencia. Fue el principal producto de exportación de Paraguay. Las mejores tierras estaban en manos de empresas Norteamericanas.
Anderson Clayton es la principal firma exportadora de café y productora de alimentos en Brasil.
América Latina abastecía las cuartas quintas partes del café que se consumía en el mundo. Brasil es el principal productor de café y sus ingresos los obtiene por exportaciones. Haití, Costa Rica, Guatemala y El Salvador dependen del café. La baja de 1 centavo implicaba una pérdida de $65 millones para los países productores, pero beneficiaba aquellos países consumidores como Estados Unidos. Quienes manejan el negocio de café y bananas son empresas Norteamericanas.
En la crisis de 1929, Brasil quemó 78 millones de bolsas de café.El auge de precios desencadena un crecimiento de la población. Las empresas se apoderaron de aduanas, tierras, gobiernos. Esta empresa sufrió varias crisis por la caída en la producción de
América Latina continúo condenada al monocultivo y a la dependencia. Esta dependencia refleja el interés de los capitalistas en América Latina. El gran lago de petróleo en Venezuela asentó la mayor misión militar norteamericana.
Estados Unidos necesitaba minerales estratégicos para su potencial de guerra, por eso comenzó la compra masiva de tierras en la Amazonía. La química agrícola descubrió las propiedades nutritivas del salitre como abono para las tierras de Europa. La explotación del salitre se extendió hasta Bolivia aunque el negocio era chileno. El salitre desencadenó la Guerra del Pacífico entre Chile, Perú, Bolivia en 1879-1883. Bolivia perdió con la guerra la mina de cobre más importante.
La producción Chilena se vende en mercados diversos estableciendo relaciones entre los países socialistas, situación que no pudo evitar Estados Unidos.
La producción industrial de Estados Unidos necesita del hierro para formar el acero. El acuerdo militar firmado con los Estados Unidos prohibió a Brasil vender hierro a los países socialistas.
Minas Gerais era el escenario de los yacimientos de hierro en disputa.
El petróleo tiene su importancia para la industria química y actividades militares atrayendo a los capitales extranjeros. Las grandes corporaciones petroleras son la Standard Oil y la Shell, donde los salarios de los obreros son altos.
El cartel bloqueó en México las exportaciones de petróleo, cuyo territorio se repartió la Standard y la Shell obligando a pagar precios más altos. PEMEX, fue la primera empresa no extranjera que nación en México.
Uruguay creó la primera refinería estatal en América Latina, también encargada de la venta de petróleo crudo. La Standard respaldo a Bolivia y Shell a Paraguay al final este país gano la guerra. Su riqueza excede a la que los españoles arrebataron de Potosí. Cabinas fue la mayor fuente de petróleo en Venezuela.
El cartel dispuso la inmediata caída del precio del petróleo Venezolano. Se multiplicaron las fábricas, bancos, se modernizó la navegación.Inglaterra pagaba con tejidos de algodón los cueros del Río de la Plata, el guano y nitrato del Perú, el cobre de Chile, el azúcar de cuba, el café de Brasil. Los ingleses controlaban el comercio entre España y sus colonias. En Brasil los obrajes textiles y metalúrgicos fueron arrasados por las importaciones extranjeras.
Bolivia era el centro textil más importante. Todas estas industrias han desaparecido ante la competencia de artículos extranjeros. La Guerra de la Triple Alianza Brasil, Argentina y Uruguay tuvo como finalidad el crimen del país financiado por el banco de Londres.
Los tres países sufrieron una bancarrota financiera que permitió la dependencia de Inglaterra.
Brasil exige pasaporte a los ciudadanos paraguayos, el país otorgó a Brasil una concesión petrolera en su territorio. Los productos industriales de Brasil invaden su mercado por la vía del contrabando.
En Londres se crearon más de 40 sociedades anónimas para explotar los recursos naturales de América Latina.
La guerra de Secesión hizo posible la consolidación de Estados Unidos como potencia mundial. Los fondos públicos ampliaban el mercado interno; el Estado construía caminos, vías férreas y puentes. Estados Unidos comenzó a exportar a partir de la segunda guerra mundial. El FMI y el BM negaron a los países subdesarrollados el derecho a proteger a sus industrias nacionales.
La inversión en servicios públicos y minería, va disminuyendo a medida que aumenta la inversión en petróleo e industria manufacturera, debido al avance tecnológico.Los salarios de hambre en América Latina contribuyen a financiar los altos salarios de Estados Unidos y Europa. Argentina, Brasil y México son los polos de desarrollo en América Latina. La industria latinoamericana nació del sistema agroexportador. Las dos guerras mundiales provocaron una reducción de las exportaciones, subiendo el precio interno de los artículos extranjeros. Los gobiernos de Getulio Vargas, Lázaro Cárdenas, y Juan Domingo Perón respectivamente en Brasil, México, Argentina expresaron la necesidad de despegue, desarrollo, y consolidación.
La industria de automóviles crecía gracias a la inversión extranjera. El Estado asumía la responsabilidad para el pago de deudas contraídas por las empresas del exterior, quienes se apropiaron de los recursos que Brasil proporcionaba.Argentina y México son el blanco de las inversiones extranjeras por sus industrias manufactureras, estos países no se oponen a la entrada de capital extranjero.General Motors, Ford, Chrysler y Volkswagen han consolidado su poder sobre la industria de automóviles
La recesión económica y la inestabilidad monetaria contribuyeron a que la industria nacional dependiera de las corporaciones imperialistas. El FMI agudizo el desequilibrio en América Latina, permitió el trueque, el libre comercio, congelo los salarios, aumento la miseria y la desnacionalización económica y financiera.
El FMI nació en Estados Unidos para proporcionar préstamos..Las inversiones en la industria congregan la mayor parte de los capitales norteamericanos en Brasil, para contribuir a su estabilización económica y financiera. Argentina, Brasil y México han sufrido los mayores aumentos de la evasión. Las corporaciones multinacionales utilizan al Estado para acumular capitales y profundizar la revolución tecnológica.
Los préstamos permiten evaluar los negocios de cada país.
El intercambio de mercancías forma parte de la división internacional del trabajo. Los países latinoamericanos se identifican en el mercado mundial con una sola materia prima o con un solo alimento. Cada vez vale menos lo que América Latina vende.
El mercado mundial implantó la desigualdad del comercio, los precios bajos  están vinculados a la disminución  de los salarios. Los países ricos han utilizado las barreras aduaneras para proteger sus altos salarios internos, quienes protegen los monopolios mediante un sistema de subsidios.
El mercado mundial del café soluble está en manos de la Nestlé y la General Foods, la materia prima es adquirida por los Estados Unidos y Europa en Brasil. Estados Unidos vende en América Latina productos más sofisticados y de alto nivel tecnológico.El Grupo Andino compuesto por: Bolivia, Colombia, Chile, Ecuador y Perú rechazaron la transferencia de tecnología elaborada por empresas extranjeras y prohibían su importación a otro país.
Brasil es el país llamado a construir el eje de la liberación en América Latina, como administrador de los intereses norte americanos en la región.
Cuando los pueblos en armas conquistaron la independencia, América Latina exhibía unidad territorial, aunque faltaba la comunidad económica.




Conclusiones:

Al terminar este libro podemos darnos cuenta que desde la llegada de  los europeos hasta  América Latina, solo había una intención, enriquecerse ellos a cuesta de recurso y de la explotación a nuestros indígenas, aquí podemos observar que  América Latina no fue solo víctima de la colonización sino, fue también culpable, al dejarse explotar de esta manera, sin  tener algún beneficio e enriqueciendo a países en desarrollo. Es así que podemos ver  la riqueza que hoy posee las clases dominantes, ha sido el producto del saqueo del pueblo.

Es por esta lectura que llegue a la conclusión que en  la actualidad seguimos siendo víctimas de alguna u otra forma por países desarrollados, en tecnológico y  poder económico, donde los capitalistas de países desarrollados  utilizan nuestra riqueza para tener un benefició.
Y si no nosotros cambiamos esa forma de pensar américa latina fuera una gran potencio ya que cuenta con toda la materia prima para el desarrollo
Y no dependiéramos de nadie para subsistir.


jueves, 16 de abril de 2015

GOTICO EN PAISES BAJOS



PAÍSES BAJOS  "ARTE GÓTICO"




El arte Gotico de los países bajos se halla en intima relación con el arte que se desarrollo en Francia durante los siglos XIII y  XIV  su arte fue influencia del alemán y del ingles, entre los mas interesantes encontramos los ayuntamientos concebidos con grande relicarios pétreos .
En  Bélgica nacida como colegiata de la diócesis de molinas no seria hasta el año 1962 cuando pasa atender la función catedrática la primitiva catedral y por tanto edifico el religioso e importante de la ciudad de las brujas


Las regiones que definimos como Países Bajos abarcan Bélgica y Holanda, así como lo que hoy constituyen las zonas más septentrionales de Francia. Durante el periodo histórico de la Edad Media todas estas zonas formaban una única unidad cultural a pesar de su diferencia idiomática y política. En cuanto a éste último punto, en el Condado de Flandes se hablaba neerlandés y era gobernado por el rey de Francia. La región de Hainault, que era francófona, pertenecía al Sacro Imperio Germánico, lo mismo que las zonas de habla neerlandesa de Brabante y Holanda. Debemos destacar la bonanza económica que se produce en estos territorios a partir del siglo XIII con la producción de paño y lana, que fue clave para el desarrollo de la arquitectura y del arte en general. Ésta riqueza creó un deseo de representación que se dio, sobre todo, en la construcción de grandiosos edificios de suntuosa ornamentación. Para la construcción de estos edificios se utilizó la piedra de diversas canteras de las regiones que disponían de ellas, sin embargo, en las regiones costeras se desarrolló una escuela constructiva muy destacable en torno al ladrillo.
 La arquitectura
 


La arquitectura Gótica en los Países Bajos se halla en íntima relación con la que se dio en Francia durante los s. XIII y XIV. Ya en la segunda mitad de este último siglo y en el s. XV, esta influencia se vio mediatizada por las aportaciones del arte alemán y del inglés, a pesar de que en los Países Bajos no aparecerán elementos tan característicos como las bóvedas de abanico.



REPRESENTANTES 

DEL

RENACIMIENTO



ARQUITECTURA






  • Filippo Brunelleschi  




(Florencia, 1377-id., 1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, , uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura.




La catedral de Santa Maria Dei Fiori



La catedral de Florencia estaba inacabada, la rivalidad con las ciudades vecinas llevo a los florentinos a idear un proyecto ambicioso para su catedral. Construyeron una base tan grande que ciertos problemas técnicos impidieron la construcción de la cúpula. Brunelleschi no tardó en apartar del proyecto a Ghiberti, que aunque se había ganado la confianza de los florentinos, no entendía demasiado de arquitectura; y prosiguió con la construcción hasta acabarla en 1436 (tardó 16 años) La cúpula se basaba en el doble emparedado del Panteón de Roma y su construcción se pudo llevar a cabo gracias a los conocimientos de Filippo sobre la ingeniería





  • DONATO BRAMANTE (1444 -1514)



Nace en 1444 en la actual localidad de Fermignano, enclave cercano a Urbino. Su aprendizaje podría haber tenido lugar dentro del ámbito del dibujo y la pintura (tal y como aseguran tratadistas de la talla de Vasari y Serlio), adjudicándosele incluso la autoría de los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo así como algunas otras obras correspondientes con su etapa milanesa.
A finales del siglo XV se le puede encontrar en Milán (al servicio de Ludovico Sforza, el cual actuará como mecenas de Bramante durante el tiempo que permanezca en la Lombardía), donde llevará a cabo proyectos arquitectónicos como la iglesia de Santa María Presso, donde inicia  su trayectoria, por el espacio y la perspectiva, además de que constituyen buena muestra de la elegancia y la energía que sus edificaciones destilarán.

SANTA MARIA PRESSO SAN SATIRO



Es una iglesia de Milán que data del siglo XV El edificio cuenta con una nave central y dos laterales con bóveda de cañón. Originalmente, el interior estaba decorado con pintura blanca y oro. Las paredes tenían frescos de Borgognone , ahora trasladado a la Pinacoteca di Brera








  • ANDREA PALLADIO


  • (Padua, 1508-Maser, actual Italia, 1580)
 Arquitecto italiano.
El que había de ser uno de los mayores arquitectos de la Italia del Renacimiento, Sus ideas arquitectónicas plasmadas en Los Cuatro Libros de Arquitectura trascendieron las fronteras transalpinas, difundiéndose con notable éxito durante los siglos XVII y XVIII por los distintos territorios europeos.



 Villa Foscari (La Malacontenta) (1560)





Arquitecto: Andrea Palladio
Dirección: Malcontenta di Mira
Ciudad: Venecia (Véneto)
País: Italia, Europa



Se ubica a orillas del Canal Breta y está alzada sobre un basamento, lo que es característico de las villas de Palladio, pero este pedestal es más voluminoso de lo habitual debido a que no era posible construir un sótano subterráneo en el lugar.
se configura entonces como una residencia suburbana , a la que se podía llegar rápidamente en barca desde el centro de Venecia Las majestuosas rampas de acceso gemelas imponían una suerte de recorrido ceremonial a los huéspedes que llegaban de visita


Decoración

El interior de la villa está ricamente decorado con   fre obra de Batistta Franco   Las escenas mitológicas provenientes de Ovidio se alternan con alegorias de las Artes y las Virtudes. Como en otras villas palladianas, las pinturas reflejan la vida de la villa por ejemplo Astraea mostrándole a Júpiter los placeres de la Tierra. 




PINTURA



  • MASACCIO.  


(Tommaso di ser di Giovanni di Mone Cassai; San Giovanni Valdarno, actual Italia, 1401 - Roma, 1428) Pintor italiano. Renacimiento Italiano Quattrocento. El más importante dentro del arte pictórico italiano de comienzos del s.XV dado que será él quien desarrolle la perspectiva, creando escenas donde el espacio será real, "aéreo".

El desnudo

Con Masaccio retorna al mundo de la pintura el desnudo entendido en el sentido clásico.
La Expulsión del Paraíso suele citarse como el mejor ejemplo de esta recuperación del sentido clásico del desnudo por parte de Masaccio. Sin embargo, también en el Bautismo de los neófitos podemos observar como el pintor trata el cuerpo humano como referente de belleza.

Masaccio pone aquí las bases de lo que será una de las características esenciales del Renacimiento artístico.


  • PAOLO UCELLO

(Paolo di Dono; Pratovecchio, actual Italia, 1397 - Florencia,

1475) Pintor italiano.
Paolo Ucello es un artista del Quattrocento florentino. Es un pintor muy preocupado por la perspectiva. Usa mucho la geometría en su pintura, tanto en las figuras, como en la perspectiva o en la composición (muchos hablan de antecedente del cubismo). También su obra manifiesta el interés del artista por la luz. El tema que prefiere son las batallas.

BATALLA DE SAN ROMANO





Autor: Paolo Ucello
Fecha: 1456
Museo: National Gallery de Londres
Características: 182 x 317 cm
Estilo: Renacimiento Italiano
Material: Temple sobre tabla



La pintura que contemplamos forma grupo con las tablas de los Uffizi y del Louvre. Contrasta, con la dinámica acción de los combatientes, la estaticidad y magicismo de las figuras y objetos caídos en el suelo a través de los cuales se representa el juego de líneas del sistema perspectivo. La verticalidad del paisaje acentúa la analogía con un telón, proporcionando Ucello a la composición un efecto más relacionado con torneos y fiestas que con una batalla real.








  • FRAY ANGÉLICO


(Guido o Guidolino di Pietro; Vicchio di Mugello, hacia 1395 - Roma, 1455) Pintor italiano.
Fran Angélico es un importante pintor de la Escuela de Florencia del siglo XV que aunque se le considera renacentista todavía muestra un formalismo bastante de medieval, es decir goticista.
Fra Angélico utiliza colores decoristas y brillantes para representar muy bien los sentimientos espirituales.
Supone la idea de integrar un humanismo cristiano (quiere recuperarlo por el peligro de paganismo que traen los nuevos vientos del Renacimiento) con las características artísticas del siglo XV. Por tanto, se considera su obra un intento de armonizar lo religioso medieval con la nueva estética renacentista italiana.

VIRGEN DE LA ESTRELLA
Es la única pintura que se conserva del Beato. La obra decoraba el frente de un relicario encargado por el comitente Fra Giovanni Masi, para la ornamentación de Santa María Novella, La Virgen se presenta de pie vestida con amplia túnica de intenso color azul, recortado su volumen sobre el fondo dorado. Lleva al Hijo en sus brazos que acerca su cara a la mejilla de su madre, en actitud de complicidad y ternura, cercano a las vírgenes sentimentales de Fra Filippo Lippi. De la aureola dorada de la Virgen destellean rayos de luz, también en oro, que terminan en el vértice del arco, con la corona de Madre de Dios la estrella se refiere a la orden a la que pertenece el comitente: Santo Domingo suele presentar en su icono grafía una estrella roja que lo identifica.






  • SANDRO BOTTICELLI

 Florencia, 1 de marzo de 14451 - 17 de mayo de 1510 apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano 

Al igual que sucede con un buen número de contemporáneos de Botticelli, establecer sus inicios en el mundo de la pintura presenta algunos problemas, dado que existen quienes consideran que se habría formado en el taller de Fra Filippo Lippi, frente a aquéllos que adjudican la responsabilidad de su aprendizaje a Verrocchio o a Pollaiuolo


El nacimiento de Venus

Una de las pinturas más reconocidas de Botticelli, reprersenta el nacimiento de la diosa del amor Venus emergiendo de la espuma del mar como una mujer plenamente madura. Vale la pena notar que en la época clásica, la espuma del mar era el símbolo de los genitales femeninos, y como tal, Botticelli fue ingeniosamente referencia real del nacimiento de la diosa. A pesar de una figura mítica lleva a muchas especulaciones, porque no hay contexto literario exacto que representa la escena pintada por Botticelli. 



  • ANDREA MANTEGNA



Uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, vino al mundo en 1431 en una pequeña localidad del Véneto entre Vicenza y Padua. De orígenes humildes.
Retablo de San Zenón finales de julio de 1459
temple sobre tabla 213 x 134 cm
Verona, San Zenón


El retablo




Fue ejecutado entre 1456 y 1459 para que quedara mejor para el altar de la iglesia, el propio artista se había ocupado, según parece, de reordenar el prebisterio y de abrir una ventana a la derecha, a fin de subrayar con una fuente de luz natural el artificio lumínico adoptado en la pintura. Si hasta la luz real había de cooperar a la adecuada contemplación de la obra, se entiende bien la importancia que sin duda tenía también el marco. Las cuatro semi columnas dividen sólo aparentemente la tabla, entendidas como elementos de uno de los lados de una galería cuadrada abierta en los otros tres, en cuyo interior tiene lugar la representación sacra. Sobre el sarcófago , en el trono, la Virgen ofrece a su Hijo, de pie, flanqueada por santos estatuarios , muchos de los cuales están leyendo.














  • LEONARDO DA VINCI


Nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo natural de una campesina, Caterina que se casó poco después con un artesano de la región.
Es uno de los grandes genios del Renacimiento, destacando como artista, inventor y descubridor.



LA ÚLTIMA CENA



 En ella se representa el bíblico momento en la que los apóstoles y Jesús de Nazaret están reunidos como vez previa al desenlace de la vida del mesías. Esta obra es un mural de enormes proporciones, 460 x 880 centímetros, realizada sobre la pared del convento de Santa Maria delle Grazie, en Milán.


Su elaboración no siguió los patrones corrientes para este tipo de construcción, sino que fue compuesta al temple, es decir, donde el disolvente utilizado es agua mezclado con materiales orgánicos, y óleo sobre dos capas de yeso. Este monumental diseño fue ejecutado entre los años 1495 y 1497, a la par que elaboraba otros trabajos.




  • MIGUEL ÁNGEL

Miguel Ángel Buonarrotti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 – Roma 1564 Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones



El David

El “héroe” del Antiguo Testamento aparece representado como un joven atleta desnudo, con una mirada retadora buscando a su enemigo, Goliat. Miguel Ángel lo creó con sólo 23 años de edad y a partir de un único bloque de mármol de Carrara que según los historiadores “estaba lleno de defectos”, hasta el punto que había sido desechado por dos conocidos artistas de la época, Agostino di Duccio y Antonio Rosellino.Miguel Angel dejó una frase para la ocasión: “Como David ha defendido a su pueblo, así quien gobierna Florencia debe justamente defenderla y gobernarla con justicia “. 

Su emplazamiento original en 1503, en Florencia, se decidió por una comisión de artistas encargados de elegir la adecuada ubicación del David de Miguel Angel (1475-1564): Leonardo da Vinci (1452-1516) y Sandro Botticelli fueron miembros de este comisionado.



  • RAFAEL SANZIO






Raffaello Santi o Sanzio; Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520 Pintor y arquitecto italiano. Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva.








Maddalena Strozzi
Maddalena Strozzi se casó con Agnolo Doni en 1503 y fue retratada poco después de la llegada de Rafael a Florencia. El artista era muy joven y estaba totalmente empapado de la tradición umbra, sobre la que había perfeccionado las primeras adquisiciones de la pintura de Urbino. En Maddalena Doni, por tanto, combina un carácter de sencillez y un cierto convencionalismo en la expresión con el sentido de una forma sólida y estática. Todo ello es representado sobre el modelo de la Gioconda, por la que Rafael demuestra respeto reverente, pero también una evidente conflictividad. A diferencia de Mona Lisa, Maddalena lleva joyas y ropas que denotan su rango: el personaje es así identificado en el plano social antes que en el natural.



  • TIZIANO VECELLIO DI GREGORIO





Pieve di Cadore, h. 1489-Venecia, 1576). Pintor italiano, el principal artista veneciano del renacimiento. Enviado a Venecia de niño, fue instruido por Gentile Bellini y después por el hermano de éste, Giovanni, pero hacia 1507 se asoció a Giorgione, y se dice que por influencia de éste adoptó una pincelada algo más suelta.



VENUS Y ADONIS








Autor: Tiziano
Fecha: 1553/54
Museo: Museo del Prado
Características: 186 x 207 cm.
Estilo: Renacimiento Italiano
Material: Óleo sobre lienzo


Se inspiraría en la "Metamorfosis" de Ovidio para representar escenas mitológicas con un contenido claramente erótico.i Dánae aparece de frente, la figura femenina en Venus y Adonis se encuentra de espaldas, intentando retener a su amado que, cuando se marche de caza, encontrará la muerte. Las figuras se insertan perfectamente en un paisaje, abandonando Tiziano los estudios arquitectónicos empleados en el Quattrocento para obtener efectos de perspectiva. Ahora las escenas son más naturales y verosímiles. La tensión existente entre ambas figuras parece anticipar el Barroco, así como la diagonal que organiza la composición. El situar a Venus y a Adonis en primer plano hace recordar los altorrelieves romanos.






  • TINTORETTO

Venecia, 1518 - id., 1594) Pintor italiano. En la Venecia de la generación posterior a la de Tiziano, las dos grandes figuras de la pintura fueron Tintoretto y el Veronés; mientras que éste se trasladó a la ciudad de la laguna desde su Verona natal, El Tintoretto era veneciano y prácticamente no se movió de la ciudad que lo vio nacer
Ambientada en espacios que parecen escenarios teatrales y animados por una iluminación, unos gestos y un movimiento que acentúan los efectos de dramatismo; basta con pensar, por ejemplo, en su abundante recurso a los escorzos.





Vulcano, Venus y Marte (1552)

Tintoretto – “Venus, Vulcano y Marte” (1545-1550,
óleo sobre lienzo, 135 x 198 cm,
Alte Pinakothek, Munich)


Ya hemos visto otras versiones de esta escena, en la que Vulcano descubre a su esposa Venus poniéndole los cuernos con Marte en este cuadro Tintoretto ha modificado ligeramente la iconografía tradicional y esconde a Marte debajo de la mesa. El indiscreto perrito ladra hacia el escondite y Marte saca la cabeza (casco incluido) para intentar hacerlo callar. Se le ha olvidado coger el escudo, que sigue sobre la mesa (vemos a Vulcano y a Venus reflejados en él). Cupido duerme en una especie de cuna y nos da a entender que entre Venus y Marte ha habido algo más que palabras. Y el pobre Vulcano, mientras tanto, se inclina sobre la cama en la que reposa su desnuda señora y levanta con cuidado el vaporoso velo que cubre sus partes pudendas para mirar












ESCULTURA






  • DONATELLO


(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.




GATTAMELATA
Con esta escultura se produce la recuperación de uno de los modelos clásicos llamados a tener una mayor proyección en la escultura posterior: el retrato ecuestre. Tipología esencialmente urbana, aparecerá unida, como su paradigma, el Marco Aurelio, a la ostentación visual de la imagen del poder. El Coleonni de Verrocchio será su gran "rival"



  • ANDREA VERROCCHIO

1435 – 1488, PINTOR, ESCULTOR Y ORFEBRE FLORENTIN


Andrea del Verrocchio, de Florencia, fue en sus tiempos un orfebre, perspectivista, escultor, grabador, pintor y músico. Pero su estilo en escultura y pintura era un tanto duro y tosco, como si hubiera adquirido su habilidad más bien por perseverante estudio que por don natural o facilidad.








“RESURRECCIÓN DE CRISTO”

Terracota policromada, 1463, Museo Nazionale del Bargello, Florencia. Realizado para la Villa Medicea de Careggi. Composición triangular que muestra en el eje principal a la figura de Cristo flanqueado por dos ángeles. En el suelo los soldados caen espantados por la visión mientras dos duermen. Dos árboles realizados de forma poco realista cierran la escena. El rostro de Cristo muestra cierta inexpresividad, lo que contrasta con los gestos sorprendidos de los guardias. La figura del Señor aparece rodeada de un nimbo de rayos dorados, lo que es una reminiscencia de los gustos medievales.







  • LUCA DELLA ROBBIA



Nació el 22 de diciembre de 1400 en Florencia, en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, palabra que designa a una planta usada para el teñido).

Sus figuras son hermosas, en actitud elegante y graciosa.



"CANTORÍA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA"


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 1431-1438, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia. Se trata del púlpito para el órgano encargado en 1431 a Luca della Robbia que por entonces era un desconocido, y que se situó originalmente sobre la puerta de la Sacristía Norte de la Catedral también conocida como Puerta Nueva, justo enfrente de la realizada por Donatello situada sobre la puerta de la Sacristía Sur, ambas fueron desmontadas en 1688 siendo sustituidas por un púlpito que celebraba la boda de Fernando de Medici con Violante Beatriz de Baviera. Una vez desmantelada la reconstrucción de la cantoría de della Robbia fue un problema.

Representa en imágenes el Salmo 150 de David “Laudate Dominum”, que aparece escrito en letras romanas en las tres fascias del púlpito. Las figuras en alto-medio-bajo-relieve representan niños y niñas cantando y bailando junto con amorcillos (putti).








  • GIOVANNI BELLINI





(Venecia, Italia, h. 1430 - 1516) Pintor italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.







EN LA MADONNA DEL PRADO


Una de las mejores madonnas pintadas por el artista veneciano, es posible observar, como era habitual en las obras que abordan esta temática, un complejo simbolismo referido a la lucha entre el bien y el mal representada en segundo término, a la izquierda, por un pequeño airón y una serpiente, y a la muerte, simbolizada por el cuervo negro posado sobre un árbol seco. Pero lo que más llama la atención es la calidad de la representación paisajística que enmarca a María y Jesús, y el tierno encanto que desprenden ambas figuras. La Virgen no es ya la reina entronizada del período medieval, sino una joven madre que vela el sueño de su hijo. En cuanto al paisaje, de un poderoso realismo, denota el interés de la escuela veneciana por la representación del entorno, más allá del fondo abstracto gótico. El color es el gran protagonista de la composición: los ropajes de María, por ejemplo, son de una singular riqueza




BIBLIOGRÁFIA



  • http://www.arteespana.com/rafaelsanzio.htm
  • http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rafael.htm
  • http://www.artehistoria.com/v2/personajes/2516.htm